Indique o Site!

terça-feira, 29 de maio de 2012

TÉCNICA VOCAL




A voz é um instrumento muito especial - primeiro, porque o timbre individual é uma dádiva. Segundo, porque temos que nos acostumar com NOSSO prórpio instrumento: limites, controle, cuidados. 
Nossa voz reflete o estado geral do organismo. Sono atrazado, gripes, depressão, excesso de exercícios ou trabalho demasiado são refletidos diretamente em nossa voz. Assim, se o organismo está bem, a voz transparecerá este estado. O profissional da voz deverá saber disso, porque da voz depende seu ofício - mas não custa nada o amador utilizar este conhecimento em seu dia-a-dia. Não dá pra ir assistir um clássico de futebol, ficar gritando com a galera 90 minutos e depois fazer um fim de noite com a banda naquele barzinho onde você toca - sua voz já era. Longas conversas também diminuem sua capacidade de cantar - (principalmente em discotecas, shows em alto volume, shoppings...). Por isso, quem canta deve aprender a resguardar sua voz. Quer ir ao Palmeiras e Corinthians? Tudo bem, mas evite gritar demais. 
A Dra. Rosane Paiva da Silva, fonoaudióloga e professora de impostação de voz, em ótimo artigo feito para a Unicamp, ensina os 10 Mandamentos da boa voz: 
1.) disciplinar horários de trabalho, para que haja repouso vocal;  
2.) tomar de 7 a 8 copos de água por dia;  
3.) evitar a inalação/ingestão de drogas que ajam sobre a laringe e a voz, assim como as que causem alterações cardiovasculares e respiratórias;  
4.) evitar o uso do fumo (qqer. tipo!) pois a aspiração da fumaça provoca o super-aquecimento do trato vocal, tornando a voz mais grave;  
5.) utilizar roupas leves, que permitam a livre movimentação, principalmente próximo à laringe e o diafragma;  
6.) evitar a ingestão de bebidas com gás (refrigerantes, cerveja) comidas gordurosas e condimentadas, pois provocam gás e refluxo gastroesofágico, prejudicando os movimentos respiratórios normais;  
7.) evitar as mudanças bruscas de temperaturas no ar ou líquido;  
8.) realizar exercícios de relaxamento regularmente;  
9.) realizar avaliações auditivas e fonoaudiológicas periódicas;  
l0.)manter a melhor postura da cabeça e do corpo durante a fala ou canto. 

Hoje em dia, é mito falar que somente os "bem-dotados" podem exercer profissões vocais. Os avanços da fonoaudiologia podem provar que qualquer pessoa bem treinada pode ser um bom cantor, dependendo somente do bom cuidado com o seu aparelho fonador e com treinamento específico.  Infelizmente, é muito mais comum encontrarmos vocalistas que se preocupam muito mais em decorar letras e ensaiar com a banda do que aperfeiçoar sua voz e cuidar bem dela. 
Existem 3 fatores importantes a tratarmos no estudo do canto: respiração, postura e relaxamento. 
. RESPIRAÇÃO: 
A respiração é uma atividade passiva a maioria do tempo. É tão simples que dificilmente nos preocupamos em como estamos fazendo (ou mesmo se estamos fazendo). É um procedimento intuitivo, comandado pelo cérebro - respiramos dormindo, não?  Acontece porque o nível de dióxido de carbono em seu sangue torna-se alto, mandando um sinal ao cérebro, que responde com outro sinal para que se contraia o diafragma.  O diafragma é uma membrana muscular horizontal, em formato de concha, que divide o tronco em 2 partes. Sobre ele estão os pulmões. 
Quando ele está relaxado, ele arqueia-se para cima, em direção aos pulmões. Quando contraído, ele desce, e o vácuo criado faz com que os pulmões tenham sua capacidade aumentada, sugando o ar para dentro deles. Quando ele volta a relaxar, ele comprime os pulmões, expirando o dióxido de carbono para fora. 
Existem outros músculos abaixo do diafragma que auxiliam na respiração. Eles entram em ação quando é necessária maior quantidade de ar do que o usual - assim como quando cantamos. São músculos das costelas e do abdomem, que também são usados automaticamente. Note como um bebê respira quando dorme: quando ele inspira, o peito incha, assim como a barriguinha. Quando contraimos o diafragma, todo o conteúdo do abdomem é empurrado para baixo juntamente, para dar mais espaço para o ar entrar nos pulmões. Então, tenhamos em mente que ao respirar, o seu abdomem estará trabalhando, também. Quando você grita, com força, você pode notar o seu abdomem se contraindo automaticamente. Ele desce e incha para suportar o som que você está criando. É assim que seu corpo suporta o ato de cantar. Você deve aprender a controlar esta tensão muscular para controlar o fluxo de ar na respiração. 
Quando você inspira, deixe sua barriga inchar, como quando você está relaxado. Quando cantar, deixe-a para fora o quanto você conseguir sem causar desconforto. Sua bariga vai "entrando" assim que que você vai ficar ficando sem ar. Somente não deixe que ela se contraia antes do necessário. Na próxima inspiração, deixe que ela "saia" novamente e continue segurando assim, como se fosse uma bola de praia dentro de você. Este estilo de respiração é chamado de "barriga pra fora" (óbvio, não?)ou sanfona. O método contrário, "barriga pra dentro", que consiste em empurrar todo o ar pra fora até o útlimo instante é utilizado por muitos cantores, mas depende demais de uma capacidade de inspiração muito grande. 
Muitos estudantes de canto enfrentam problemas com respiração porque colocam muita ênfase na inspiração e expiração e nenhuma no controle do escape de ar através das cordas vocais. Eles acabam acreditando que não podem conter a quantidade suficiente de ar para cantar de forma correta, quando o erro está em deixar o ar sair ineficientemente. 
Vocês sabem que um sussurro gasta mais ar do que um forte agudo? Isto porque as cordas vocais juntam-se fortemente num agudo, e abrem-se totalmente para um sussurro. Quando sussurramos, produzimos pouquíssimo som. Ao contrário, para produzir muito som, precisamos de pressão de ar contra a resistência provocada pelas cordas vocais. Para um controle eficiente do ar e um bom tom vocal, você deve ter a correta pressão do ar. Esta quantidade de pressão muda constantemente quando produzimos diferentes sons, pelas variações de volume e tom. Nós aprendemos a controlar esta pressão através de exercícios e cantando. É como andar de bicicleta: você pode não conhecer os princípios da Física para descrever o equilíbrio, mas pode andar de bicicleta com a prática. É óbvio que com a ajuda de um professor, o objetivo será alcançado com muito mais facilidade. 
. Exercícios (respiração) 
1- Inspirar expandindo o tórax/barriga; sinta o alargamento das costelas flutuantes, mais ou menos na altura da cintura. Não levante os ombros nem estufe o peito! Mantenha a musculatura do pescoço relaxada. Prenda o ar por alguns segundos e expire esvaziando totalmente os pulmões;  
2- Repita o ex.1, fazendo o som "SSSSS..." (contínuo) durante a expiração; mantenha o som homogêneo, estável, sem variações de intensidade, durante um tempo confortável e sem exageros;  
3- Repita o ex.1, desta vez fazendo sons curtos em "S" (stacatto); a cada som, procure expandir o tórax (como se quisesse alargar a cintura);  
4- Alternar os sons "SSSSS" e "S" "S" "S" (contínuo/stacatto);  
5- Repetir os mesmo exercícios acima, com os sons "CH" e "FFFF"; marque o tempo que achar confortável, e procure ir aumentando sua capacidade, sem perder qualidade;  
6- Inspire lentamente enquanto caminha 5 passos; observe o alargamento do tórax. Quando for dar o 6o. passo, comece a fazer o som "hummmmm..." com a boca fechada (bocachiusa) por mais 5 passos. Atenção: use a região média de sua voz (não deve ser muito aguda nem muito grave). No 6o. passo, expire todo o ar que restou e recomece o ciclo todo novamente;  
7- Repita o ex.6, mas ao invés de "hummmm", conte de 1 até 5, dizendo um número a cada passo. Novamente, use a região média de sua voz;  
8- Repita os ex.7, mas tente variar o tempo de expiração. Tente ir acrescentando mais passos para cada número que for dizendo. Isto vai auxiliá-lo a monitorar seu progresso. 

. POSTURA 
A grande maioria dos livros técnicos de canto é taxativo neste ponto: a postura é indispensável para o canto. Entretanto, no palco, é comum vermos nossos maiores ídolos da voz pulando, dançando e girando. Uma regra geral e bem simples é permanecer ereto - e ao mesmo tempo relaxado e "curtindo" estar cantando. Além de ser altamente desconfortante para quem está cantando, ninguém quer assistir a um soldado da rainha da Inglaterra sobre o palco - por melhor que ele cante. O norte-americano William Vennard disse: "Um aluno de canto deve praticar em frente ao espelho dizendo para sim mesmo: Eu pagaria pra assistir a isto?". 
Não leve isto tão à sério, mas policiar sua postura em frente a um espelho é uma ótima técnica. Experimente ficar defronte a um espelho grande, onde você possa se ver por inteiro. Se os seus ombros ou peito estiverem mais alto do que o normal , você, mais do que qualquer um, precisa se corrigir. Comece erguendo seus braços sobre a sua cabeça. Perceba a posição de seu peito. Agora abaixe os braços, mas mantenha o peito na mesma posição em que estava. Relaxe e respire no estilo "barriga pra fora". Fique relaxado e mantenha seus ombros pra baixo. Outro método é segurar um peso em cada uma das mãos, com os braços ligeiramente afastados do corpo. Este exercício é feito de pé, com o corpo bem ereto. Para a grande maioria, este exercício direciona a tensão para os músculos abdominais, que é exatamente onde deve ficar a tensão para o controle correto da respiração. 
. RELAXAMENTO 
O relaxamento é outro fator importante para a respiração. A tensão é muito desgastante e consome quantidades enormes de ar. Não esqueça o porquê de estar cantando em primeiro lugar - cantar é divertimento! Curta o processo de aprender a cantar, e não exija demais de você mesmo. O aprendizado do canto é um processo quase atlético: necessita de muito treinamento para que cheguemos perto da perfeição. Por incrível que pareça, como utiliza grupos musculares e condicionamento do aparelho respiratório como um todo, além do auto-conhecimento do poderio vocal, a prática de exercícios de respiração, postura e relaxamento melhora - e muito - o resultado final. Mas a cobrança própria (ou de outras pessoas) só acumula tensão e não leva a grandes conquistas. 
Tente adquirir o hábito de "monitorar" sua tensão muscular. Faça isto no seu dia-a-dia: observe sua postura ao digitar ou segurar o mouse. Será que não está dispensando mais energia do que o necessário? 
. Exercícios (relaxamento) 
1- Bem devagar, faça movimentos com a cabeça: primeiro, para a frente, como se fosse encostar o queixo na base do pescoço; depois, para trás, apontando o queixo para o teto; depois para os lados, tentando encostar a orelha no ombro (não eleve o ombro!);  
2- Sempre devagar, faça movimentos de rotação com a cabeça. Deixe ombros relaxados (se ficar tonto, pare, leve a língua ao céu da boca e aperte);  
3- Faça movimentos circulares de rotação com os ombros - primeiro de trás para a frente, depois inverta;  
4- Em pé, procure alcançar o teto com as mãos. Sinta a musculatura se alongando, especialmente a dos braços e das laterais do tronco. Deixe, então, o corpo "desabar" para a frente, com as mãos em direção ao solo. Vá levantando lentamente, começando pela cintura - a cabeça é a última a voltar à posição ereta;  
5- Esfregue as mãos para aquecê-las. Massageie então o seu pescoço, começando atrás das orelhas e descendo até os ombros. Sinta os pontos mais tensos e massagei-os com as pontas dos dedos;  
6- Deitado de costas, contraia apenas os dedos dos pés. Perceba a tensão, então relaxe os dedos. Perceba a diferença entre os estados de tensão e relaxamento. Repita a operação para cada parte do corpo - pé, batata da perna, joelho, até chegar ao rosto. Aprenda a sentir o constraste entre tensão/relaxamento para poder identificar partes de seu corpo tensas. 

. VIBRATO 
Vibrato é um conceito confuso para cantores, especialmente os de estilo "pop". O estudante clássico compreende muito mais este conceito pelo tipo de música que está costumado a ouvir - e pelo comprometimento de querer cantar óperas, por exemplo. Anos de estudo e treinamento para alcançar o desenvolvimento perfeito da técnica são esperados. O vibrato acaba sendo fruto natural de incansáveis lições e exercícios de canto. Muitos estudantes de canto popular até acreditam que o desenvolvimento desta técnica é inútil, pois acham que o vibrato não se encaixa com música popular. 
O vibrato é, resumindo, o som derivado de um movimento regular, repetitivo e contínuo de modulações no tom. Da mesma maneira que fazemos vibrato com movimentos circulares do dedo da mão esquerda na corda do violão ou guitarra, alterando o tom da nota tocada. O vibrato é o som da voz subindo e descendo entre dois tons próximos da nota alvo numa maneira ondulante e rápida. 
Um bom vibrato ondula num nível entre 5,5 e 7,5 vezes por segundo, alternando entre um ou dois semitons. Vibratos mais rápidos do que 7,5 por segundo soam "nervosos", mas muitos cantores de rock e pop usam este artifício, que contribui para seu estilo pessoal de cantar. Um vibrato lento é típico de pessoas com mais idade. Músicas típicas indianas e búlgaras usam vibratos largos, como parte de seu estilo - dando um caráter exótico às interpretações. 
Ter vibrato na voz não é necessário para cantar bem (dependendo do seu estilo!) - e ter a capacidade de cantar com vibrato não exige que você use a todo momento. 
Professores de canto costumam dizer que o vibrato é o termômetro da voz - o nível de desenvolvimento desta técnica pode mostrar o quanto você tem trabalhado sua técnica de canto geral. Você sabe que tem que trabalhar mais sua voz quando tem problemas em extrair o vibrato, poruqe ele depende de controle de respiração e de tensão na sua garganta. 
Procure ouvir com atenção cantores como Ella Fitzgerald, Tina Turner, Tony Bennett, Pavarotti, ou os nossos Leandro, Daniel e Xitãozinho. Compreenda o que é vibrato e procure reproduzir este efeito, praticando com vogais isoladas (a-e-i-o-u). Desenvolvendo técnicas de respiração e controle da pressão de ar sobre as cordas vocais, você irá adquirindo o seu vibrato. 
. DICAS E TRUQUES PARA O VOCALISTA 
O desejo de cantar e seguir profissionalmente com esta carreira é uma constante - embora muitas pessoas que consigam fazê-lo com maestria nunca tenham alcançado êxito profissional. Além da voz, existem outras características influentes para seguirmos a carreira de cantor/vocalista.  
Existem tantas coisas a serem trabalhadas para conseguir êxito nesta carreira... seu som, sua imagem, sua habilidade de encarar o show business, publicidade, etc. Você tem que controlar tudo por si só - mas alguma ajuda pode ser de grande valia. 

Comecemos com o seu próprio som. Ele é exatamente o que você pensa que é? É o que você quer que ele seja? Ele deve ser único, exclusivo, ou tão maravilhoso que possa responder por ele mesmo. Procure gravar sua voz e ouvi-la com muita atenção. Você mesmo gosta do que ouve? Ela só é excessivamente ruim se você mentir para si próprio ou se você gostar de auto-punição. Esse sentimento de "impotência vocal" é, no fundo, um ótimo tipo de sentimento - você deve tirar lições dessa auto-crítica. Tenha certeza de gostar da sua própria voz, trabalhando para corrigir erros ou trocando o seu estilo - às vezes, sua voz pode ser ruim para country e ao mesmo tempo, ótima para rock pesado, por exemplo. Você tem que estar perfeitamente satisfeito cmo seu timbre vocal, fazendo de forma perfeita o seu trabalho - e não tentando imitar o timbre de seu ídolo. Uma imitação nunca é a coisa real - não importa o quão boa seja. O mundo da música é faminto de coisas genuínas. Nós já temos a voz de seu ídolo - o que necessitamos é de SUA voz. 
Você não precisa ser um grade vocalista para alcançar o sucesso ou agradar -  você simplesmente precisa esmerar-se em fazer bem o que você faz. Parece ridículo dizer algo assim, mas é simples comprovar - ligue o rádio e isto torna-se óbvio para qualquer um. Você deve ser capaz de cantar no tom (mesmo com toda a  tecnologia atual, que pode corrigir isto em estúdio, porque como você vai se sair ao vivo?), e ao mesmo tempo, ser habilidoso no que vai apresentar, para mostrar convicção aos ouvintes. (isto não quer dizer que aulas de canto não são necessárias - você pode conseguir sem elas - mas ajudam tremendamente). 
Nunca ouse cantar músicas em tons que você não alcança. Faça somente aquilo que você é capaz de fazer de forma convincente. Pratique músicas que você não alcança, de maneira privada - até mesmo longe de sua banda. Se é exigência da banda cantar certa música, peça que mudem a tonalidade, para adequá-la a você. Se o problema é somente uma certa parte de uma música, adapte sua voz em registros mais baixos (ou mais altos), e "reinvente" aquela parte - quantos covers famosos você já ouviu onde o vocalista faz isto - e você nunca pensou na incapacidade vocal de seu ídolo; pelo contrário, aposto que elogiou a "criatividade" dele em embutir um novo estilo de cantar. 
O estilo exclusivo nasce do amor que temos pela nossa própria voz, deixando que nosso sentimento imponha como devemos cantar - não nossa lembrança de como "copiar" a maneira em que a música já foi cantada. Não tente soar bem - tenha em sua mente que o que você faz é a melhor maneira. Procure trabalhar seu sentimento - como você interpretaria a música? Trabalhando dentro de seus limites, e com sentimento, você vai colocar sua personalidade sobre a composição de outrem - e o público com certeza vai adorar. 
Depois, existe a imagem. Há tanta diversidade neste conceito que é difícil traçar regras para trabalhar com este importante conceito do sucesso. A premissa básica é que você precisa dar às pessoas um motivo para ficar olhando para você. Você deve atrair os olhares - ou então as pessoas acabarão buscando outros alvos. Muitos dirão: beleza é atrativa - e é - mas uma coisa bizarra ou feia também chama a atenção. A habilidade de encenar ou "entrar" sentimentalmente nas músicas também é altamente atrativa - nós, de maneira geral, não estamos acostumados a ver pessoas se expressando emocionalmente. Um "look" diferente de tudo que você já viu também serve (veja o Falcão...). Tenha certeza de que será capaz de fazer as pessoas ficarem  olhando para você por horas, porque, ao vivo, você terá que fazer isto por, pelo menos, umas duas horas. Um bom truque é variar o que elas estão vendo. Tente mover-se de um lado para o outro do palco, dance em algumas músicas, ande em outras. Nós somos cientificamente atraídos pelo movimento (por isso odiamos tanto aqueles anúncios piscando e pop-ups na Internet - por mais que evitemos, acabamos olhando para eles...). Olhar para o público é outra artimanha - vire o rosto para certas partes da audiência, aponte, demonstre atenção. Mude sempre seu objetivo. Isto faz parecer que o público participa de sua interpretação. Mudar o figurino é outra muito velha. Você não precisa fazer como Madonna, e ficar entrando e saindo de palco, trocando de roupa 10 vezes durante o show - faça como Jagger, que entra de jaqueta, depois tira, depois põe um colete, depois tira, depois põe um chapéu, depois tira, depois tira a camisa e acaba com uma do Flamengo... Uma cadeira para sentar no meio do show e curtir algo mais calmo é outra que todo mundo já usou. Procure usar roupas que aceitem efeitos de luz - tecidos refletivos ou brilhosos mudam de cor com a iluminação. E não se esqueça das mancadas: experimente a roupa e as luzes antes, para não acontecerem combinações indesejadas no meio da apresentação (como uma luz roxa sobre uma camisa verde, por exemplo). 
Não desista somente porque você não é bonito. Estamos tão inundados com vocalistas/modelos (como Jon Bon Jovi e Britney Spears) que muitos pensam que para ser vocalista é necessário ter o visual "top model". Quando este tipo de preconceito bater forte, dê um pulinho numa loja e veja os CD's mais vendidos. Celine Dion, Pavarotti, Stevie Wonder e Michael Jackson não são exemplos de beleza, mesmo com toda a produção. Aqui em nossa terra, temos Caetano, Gil, Bethânia, Herbert Vianna e Renato Russo, que venceram, e nào foi pela beleza. Esqueça idade, também! Tina Turner, Carlos Santana e Roberto Carlos são top sellers, com rugas e tudo mais. Não importa como você se parece - é possível ser atraente, basta descobrir como. 
Para terminar, Don Miguel Ruiz, escritor de diversos títulos sobre como alcançar o sucesso, proclama 4 Regras básicas para vencer na carreira: 
1.) Seja impecável com seu trabalho. Fale com integridade. Diga somente o que você pensa. Evite falar sobre si próprio e nunca critique o trabalho alheio. Use a força da palavra no sentido da verdade e do amor; 
2.) Não leve nada pelo lado pessoal. Nada que os outros fazem é devido à você. O que os outros falam ou fazem é reflexo da realidade deles, dos sonhos deles. Quando você se torna imune às opiniões dos outros, você nunca mais será vítima de sofrimentos desnecessários; 
3.) Não faça suposições. Ache coragem para questionar e expressar o que você realmente deseja. Comunique-se com os outros de maneira clara, para evitar desentendimentos, tristezas e dramas. Somente seguindo esta regra, você pode mudar sua vida; 
4.) Faça sempre o SEU melhor. O seu melhor mudará de momento a momento - será de uma maneira quando você estiver saudável, e o oposto quando estiver mal. Sob qualquer circunstância, simplesmente faça omelhor de si, e você estará evitando auto-críticas, auto-punição e sentimento de fracasso. 
E o elemento mais importante para o sucesso (além de um pouquinho de sorte, é claro...): persistência. Este é o grande segredo.  
 

baseado em:  
http://server.nib.unicamp.br/svolartigos.htm  
www.dianagoulart.pro.br/matdid.htm  

domingo, 27 de maio de 2012

Tom e tonalidade



ATonalidade:
É um sistema de sons baseados nas escalas maior, menor harmônica, menor melódica e menor natural. Ao ouvir uma escala observe que os sentidos das notas repousam em certos graus, devido a atrações que uns exercem sobre os outros. O repouso absoluto é feito no I grau (função Tonica), centro de todos os movimentos.

BTom:
É a altura onde se realiza a tonalidade, já que existe uma série de tons em diferentes alturas. Por exemplo: se a tônica de uma música for a nota Lá, quer dizer que a tonalidade se realiza no tom de Lá (maior ou menor).

Como se vê, filosoficamente existe diferença entre tonalidade e tom. Na pratica, porém, eles se confundem, tendo o mesmo significado. Exemplo: tonalidade de Ré maior ou tom de Ré maior.
Autor: André Rodrigues

Usando a Copotraste



Capotraste
capotraste é um prendedor que atua como uma pestana móvel, permitindo que você tire vantagem das cordas soltas em qualquer posição. Em vez de tocar acordes com pestana nos registros mais altos, você pode prender um capotraste atrás de um determinado traste e ter acesso aos acordes da primeira posição em qualquer lugar do braço. Como o dedo indicador não tem de segurar todas as cordas, você pode embelezar a harmonia com hammer-ons e pull-offs que seriam difíceis – ou até mesmo impossíveis – sem um capotraste.
Lembra daquela música que possui os acordes Ab ou Bb? Que normalmente os ocordes seguintes serão pestanas também e fazendo com que no meio da música de um cansaço nos dedos, com o capotraste muitas vezes fica muito fácil tocar a música, pois você poderá fazer em vez de pestanas, fazer acordes naturais, vou passar um exemplo de uma música muito conhecida,  Meu eu sem você, da dupla Victor e Léo

Meu Eu Em Você

Victor e Leo

Tom: C
Capotraste na 7ª casa  
(intro) C9 C C9 (2x)
        Am Am7 Am (2x)

   ( C9 C C9 ) (2x)
Eu sou o brilho dos teus olhos ao me olhar
      ( Am Am7 Am ) (2x)
Sou o teu sorriso  ao ganhar um beijo meu
    F                               Am Am7 Am
Eu sou teu corpo inteiro a se arrepiar
           Dm  Dm7                 G G4 G
Quando em meus braços você se acolheu

   ( C9 C C9 ) (2x)
Eu sou o teu segredo mais oculto
     ( Am Am7 Am ) (2x)
Teu desejo mais profundo, o teu querer
     F                  (Am Am7 Am)
Tua fome de prazer sem disfarçar
       (Dm  Dm7)                      (G G4 G)
Sou a fonte de alegria, sou o teu sonhar

    F                             Dm
Eu sou a tua sombra, eu sou teu guia
       C4                       (G G4 G)
Sou o teu luar em plena luz do dia
         Dm                          F
Sou tua pele, proteção, sou o teu calor
        C4                            (G G4 G)
Eu sou teu cheiro a perfumar o nosso amor
    Dm                   F
Eu sou tua saudade reprimida
       G                           (G G4 G)
Sou o teu sangrar ao ver minha partida
           Dm                        F
Sou o teu peito a apelar, gritar de dor
       C4                       ( G G4 G )  (2x)
Ao se ver ainda mais distante do meu amor

(refrão)
        F        Am
Sou teu ego, tua alma
         Dm                      (G G4 G)
Sou teu céu, o teu inferno a tua calma
            F             Am
Eu sou teu tudo, sou teu nada
          F               Am
Minha pequena, és minha amada
              F                Am
Eu sou o teu mundo, sou teu poder
         F            (G G4 G)
Sou tua vida, sou meu eu em você

terça-feira, 15 de maio de 2012

APRENDA A APRENDER


Você irá tocar rápido. MUITO RÁPIDO. E você conseguirá isso através de um método simples. Aqui nós ensinaremos esse método, e você entenderá de uma vez por todas como funciona a velocidade na guitarra.

Para começar a aprender a solar com velocidade, você precisa antes aprender algo muito importante. É algo que vale para todas as coisas que você aprende na vida. Por exemplo, aprender a ler e escrever, andar, falar, jogar bola, estudar para uma prova, tocar um instrumento. Enfim, tudo o que você faz.

Você quer tocar guitarra com velocidade e agilidade?

Então antes você precisa ‘aprender a aprender’. Essa é talvez a coisa mais importante que eu posso te passar. Se você entender isso, tudo o que você fizer a partir de hoje, você fará melhor.

É por isso que ao longo deste artigo você encontrará dicas sobre como organizar o pensamento. Assim você será mais eficiente e aprenderá a tocar guitarra com velocidade em pouco tempo. Nunca se esqueça disso.

Aqui estão algumas idéias sobre o processo de Aprender:
1 - As coisas mais importantes que você aprende, são aprendidas devagar e aos poucos. Por exemplo, quando você aprendeu a andar,você não o fez de uma hora para outra, pelo contrário, levou tempo.

2 - Você aprende por repetição. Quanto mais você repete, melhor você faz e mais natural fica. Por exemplo, para aprender uma arte marcial você precisa repetir milhões de vezes o mesmo movimento até que ele se torne automático.

3 - Você só aprende aquilo que te interessa. Então para aprender você precisa estar muito motivado! Quantas vezes você não teve uma aula na escola que você achou sensacional, e aprendeu tanta coisa?! E quantas muitas outras vezes você quase dormiu na aula e não aprendeu nada? A culpa não é sua, a culpa é do professor que não consegue dar uma aula interessante. Estou falando sério.

4 - Você sempre aprende mais rápido quando aprende primeiro o mais fácil e depois o mais difícil. Essa é a ordem natural do nosso processo de aprendizado.

Conclusão: Se você quiser ganhar velocidade, ou desenvolver qualquer outra habilidade na guitarra, tenha paciência, comece devagar e com calma. Seja persistente, não deixe uma dificuldade abalar o seu treino. Procure uma boa motivação, um guitarrista que te inspire ou qualquer bom motivo que te faça levantar da cama só para tocar guitarra. Simplifique os exercícios. Quanto mais fáceis eles parecerem no início mais eles farão por você quando estiver treinando em alta velocidade.

GuitarCoast

"10" Razões Para Você Tocar Guitarra



1 - Você pode tocar qualquer música na guitarra.
2 - Você pode solar.
3 - Você pode tocar com distorção.
4 - Faz você parecer maneiro.
5 - Você pode sustentar o seu vício.
6 - Você pode ir para o trabalho com uma calça de couro, camisa aberta e com uma cartola na cabeça (Slash ).
7 - Você pode morrer jovem e ser lembrado para sempre como um ídolo do rock.
8 - As pessoas podem pendurar seu pôster na parede.
9 - Você pode deixar a guitarra falar por você.
10 -Você pode prender o cigarro na guitarra. (Keith Richards  eEddie Van Halen ).
11 - Quem toca guitarra acaba aprendendo a tocar violão, baixo, cavaquinho, ukelele e banjo, porque são muito parecidos.
12 - Você pode ser um velho, gordo, barbudo e comer três loiras peitudas em uma noite.
13 - Guitarra é o instrumento mais completo do mundo.
14 - Guitarra é o instrumento mais irado do mundo.
15 - Com uma guitarra você pode tocar em qualquer banda.
16 - Com uma guitarra você pode tocar qualquer estilo de música – reggae, ska, blues, hard rock, metal, grunge, fusion, jazz, bossa nova...
17 - Você pode tocar e cantar ao mesmo tempo (com flauta é impossível, com bateria é difícil, e com teclado é escroto – lembra do Hanson?)
18 - Se você ficar perdido na ilha de LOST você pode fazer uma fogueira com a sua guitarra (Jimi Hendrix).
19 - Uma guitarra é como um vinho – fica melhor com o tempo, porque a madeira fica cada vez mais seca, melhorando sua própria acústica.
20 - É mais fácil trocar uma lâmpada quando você é um guitarrista – basta segurar a lâmpada e o mundo gira ao seu redor.
21 - Não tem graça nenhuma quebrar um teclado.
22 - Você pode colocar vários efeitos na guitarra: Wah Wah, Delay, Reverb, Whammy, Phaser, Chorus, Flanger...
23 - Você pode tocar e dançar ao mesmo tempo (Angus Young  eChuck Berry ).
24 - Você nem precisa mostrar a sua cara (Slash ).
25 - Você pode parecer uma mulher e ainda assim tocar na maior banda de heavy metal do mundo (Dave Murray, do Iron Maiden).
26 - Você pode bater com a guitarra em alguém durante o show (Keith Richards  e Kurt Cobain ).
27 - Você não precisa saber ler partitura (Jimi Hendrix).
28 - Você pode tocar guitarra com os dentes e com a língua.
29 - Você pode tocar com a guitarra nas costas.
30 - Você pode aprender a tocar qualquer música na internet.
31 - Quanto mais alto você tocar, melhor.
32 - Você pode imitar um cavalo, um bebê ou um homem resmungando, que nem Steve Vai  em Bad Horsie, Ya-Yo Gakk e Kill The Guy With The Ball, respectivamente.
33 - Você não precisa entender porque as mulheres adoram os guitarristas, é só abrir os braços que elas vêm.
34 - Você pode soltar foguetes com a sua guitarra (Ace Frehley, guitarrista do KISS ).
35 - Quanto mais perturbado você for, melhor.
36 - Não há fronteiras para a criatividade.
37 - Se você tocar muito rápido fica irado, e se você tocar bem devagar as pessoas vão pensar que você é um gênio, e as mulheres vão achar que você é um cara sensível.
38 - Beethoven só tocava piano porque na época dele ainda não existia guitarra. Se ele fosse vivo com certeza tocaria guitarra.
39 - Você pode tocar duas guitarras ao mesmo tempo (Stanley Jordan).
40 - Você pode tocar guitarra com um arco de violino (Jimmy Page ).
41 - Você pode imitar uma gaita, como Tom Morello , guitarrista do Rage Against The Machine, em Guerrilla Radio.
42 - Guitarra é um instrumento tão importante que várias bandas tem dois (e até três) guitarristas.
43 - Existem vários tipos de guitarra, e um deles é perfeito para você.

terça-feira, 8 de maio de 2012

Alongamento


O objetivo de se alongar para quem toca guitarra
Você deve estar se perguntando – Eu realmente preciso fazer isso? A resposta, claro, é não. Então porque perder seu tempo, porque se alongar?
A única razão está nos benefícios adquiridos com o alongamento. Quem faz esses exercícios da forma correta,Flexibilidade
Usá-la ou Perdê-la

Porque Flexibilidade é importante?

Flexibilidade aumenta a eficiência e performance física. Uma articulação
flexível tem a capacidade de se mover mais em sua amplitude, e requer menos energia para fazê-lo. Aumentar essa eficiência diminui o risco de dano físico, habilitando diversos tecidos e músculos a atingirem um alcance máximo durante atividades físicas.

Flexibilidade também aumenta o fornecimento de sangue e nutrientes para as estruturas articulares, o que amplia a elasticidade dos tecidos e músculos que envolvem as articulações do corpo. Outro aspecto importante, é que grande flexibilidade permite liberdade de movimento, desacelerando a degeneração das articulações e prolongando a sua vida de treino. Flexibilidade também atrasa a fadiga muscular, e previne e alivia músculos doloridos após se exercitar.
Trecho extraído do livro Train Tough, de Jason Weber, ABC Books.

O que não deve ser feito

Existem basicamente duas coisas que não devem ser feitas ao se alongar. Uma delas é um erro muito comum, e pode ser observado em qualquer lugar onde esteja uma pessoa se alongando, como na academia, ou na ciclovia, enquanto ela se balança pra lá e pra cá. O alongamento deve ser feito com lentidão, sem movimentos de vai e vem. Geralmente as pessoas agitam seus braços e pernas para se esticar ainda mais. Evite fazer isso, pois não há nenhum ganho de flexibilidade nesses movimentos, e eles ainda podem ser prejudiciais!

Você também não quer se machucar, logo não force muito seu corpo. Apenas estique um pouco até sentir uma leve tensão. Lembre-se que o nosso objetivo aqui não é encostar o polegar no antebraço, é apenas melhorar a sua elasticidade.

Quanto tempo de alongamento 
O alongamento completo dura menos que três minutos. Mais que isso é exagero.

Quando fazerEle deve ser feito de preferência logo após você terminar de tocar guitarra. Não é necessário se alongar antes, um rápido aquecimento já é suficiente.

Como fazer 
Todo alongamento deve ser feito lentamente, esticando músculos e tendões até um ponto próximo ao seu limite de flexibilidade. Vá puxando até atingir o seu máximo, segure por 15 segundos, e deixe voltar ao normal. É preciso forçar um pouco (do contrário o alongamento é inútil), mas nunca até doer. Para encontrar o ponto certo entre forçar demais e forçar de menos, basta praticar algumas vezes.

Artigo Relacionado: Aquecimento.

GuitarCoast......e sempre que toca guitarra, obtém melhores resultados, como maior velocidade, força e resistência. Assim, o alongamento é apenas algo a mais, uma vantagem para o guitarrista que quer solar melhor, mais rápido e durante mais tempo.
.

Arpejos?


O que são Arpejos?
Quando tocamos as notas de qualquer acorde uma de cada vez estamos executando o arpejo do respectivo acorde. Desta forma os arpejos se dividem em tríades e tétrades ( 3 e 4 notas ). Na guitarra os arpejos acabam ficando com uma digitação de praticamente 1 nota por corda o que facilita o uso do sweep para alcançarmos maiores velocidades.

Como se faz?
Geralmente, em guitarra, os arpejos são tocados com Sweep (um tipo de palhetada), pois assim eles ganham mais velocidade. Porém há guitarristas – como Steve Morse, do Deep Purple - que preferem tocar os arpejos com palhetada alternada mesmo. Na maioria das vezes o arpejo é tocado uma nota por corda, como num acorde. Isso faz com que a mão esquerda ganhe bastante agilidade e destreza.

Por que usar sweep?
Em uma guitarra de seis cordas comum, você pode tocar seis notas em seguida com uma velocidade espantosa, apenas arrastando a palheta sobre as cordas. O sweep precisa de uma quantidade mínima de energia da mão da palheta.

Quem Faz?
Vários guitarristas têm seus estilos marcados pelo uso de arpejos, entre eles Yngwie Malmsteem, John Petrucci, Paul Gilbert e Rusty Cooley. Vale lembrar que foi o guitarrista Frank Gambale quem popularizou o uso de arpejos no Rock.

Rusty Cooley solando com arpejos

Dicas sobre Escalas


        Para tocar rápido você precisa treinar a sua técnica e a sua mente. Você precisa treinar a sua memória e, acredite, o seu cérebro passará a funcionar melhor se você seguir as nossas dicas de memorização.
Para se tornar um guitarrista solista é essencial saber as Escalas na ponta dos dedos. Mas existe um truque, que poucos conhecem, e esse truque irá te levar a um nível superior de conhecimento. Ele facilitará sua vida.
Você não só aprenderá as escalas com facilidade, você as entenderá e nunca mais precisará se esforçar para lembrar de uma escala na hora de solar, porque eu sei que isso é muito frustrante e acaba fazendo com que os nossos solos não evoluam em ritmo natural. A gente começa a se sentir preso aquela única escala e sonoridade que aprendemos uma vez. Não se preocupe isso também passará.
Você está pronto para descobrir o truque? Ou melhor, os truques. Porque na verdade é um conjunto de práticas que torna o seu treino mil vezes mais eficiente. Dessa forma você não terá mais aquela sensação de que não sai do lugar há muito tempo.
Aqui estão os truques:
1 Aprenda um modelo da Escala Maior por semana. Não tente decorá-los de uma vez só, isso não funciona para ninguém. Além do mais você tem tempo suficiente para aprender.
2 - Quando tocar a Escala comece sempre pela tônica. Isso fará grande sentido para você, pois ajuda a visualizar automaticamente as escalas no braço da guitarra.
3 - Digamos que você aprendeu um dos desenhos da Escala de Sol Maior. Pronto você já decorou ele, não foi difícil. Mas não pare por aí, o que fará com que você aprenda de verdade esse desenho é treiná-lo nas doze tonalidades, sempre começando pela tônica.
4 - Quando treinar Escala Maior nas doze tonalidades evite tocar um desenho seguido do outro, por exemplo, Sol Maior, Sol sustenido Maior, Lá Maior e Lá sustenido Maior. Isso atrapalha muito, simplesmente por ser fácil demais e não trabalhar o seu raciocino da forma correta. Em vez disso, faça ‘saltos’ no braço da guitarra, por exemplo, Sol Maior, Ré Maior, Lá sustenido Maior, Mi Maior etc.
5 - Divirta-se com as escalas! Não existe melhor forma de aprender do que se divertindo. Quando você era criança, você aprendeu milhares de coisas enquanto brincava e nem percebia que estava fazendo muito mais do que brincar. Por exemplo,você aprendeu a andar brincando,aprendeu a distinguir as cores brincando e aprendeu que podia se machucar enquanto brincava também. Não ignore a fase mais divertida da sua vida! As crianças aprendem mais que os adultos porque brincam mais.
6 - Treine exercícios de técnica e velocidade enquanto sobe e desce as escalas. Dessa forma você mata dois coelhos com uma cajadada só. Por exemplo, você pode treinar a sua palhetada alternada enquanto toca um dos modelos da Escala maior.
7 - Treine com um Metrônomo. Ele é o melhor amigo de quem deseja tocar rápido e decorar escalas. O treino com o metrônomo é simples: Comece com um batimento bem lento e vá aumentando a velocidade progressivamente, até atingir o seu máximo. Com o passar dos dias o seu máximo será outro.
8 - Varie a forma de tocar a escala. Existem infinitas combinações, você pode andar duas notas, voltar uma, tocar mais duas notas e voltar mais uma...Você pode pular notas das escalas... Use a sua imaginação e descubra várias possibilidades.
Fonte original deste artigo: GuitarCoast

segunda-feira, 7 de maio de 2012

A ARTE DE SOLAR


Ao contrário do que muitos pensam, solar exige muita técnica e um conhecimento profundo de escalas musicais, A maioria dos solos são compostos baseados em escalas musicais, fazendo as adaptações adequadas, por isso, nesta quero deixar a sua disposição as escalas mais conhecidas para lhe auxiliarem a melhor desenvolver um solo, e que além da guitarra é muito usado no violão e ainda pode ser feito no baixo, dependendo do modelo.
Obs.: A escala é executada da seguinte forma: De baixo do braço para cima. Da sexta corda para primeira. Ou seja, faça todas as notas de uma corda de cada vez, assim: faça todas as notas da Sexta corda, depois da Quinta e assim por diante! No sentido de baixo para cima e volte pelo mesmo caminho !
Obs.: Você não é obrigado a seguir rigorosamente a escala, pode também tocar somente as notas que lhe convém e até pular de uma corda para outra, conforme você achar melhor ! Existem técnicas que quando executadas nos dão uma similação de efeitos sonoros, que podem ser usados para dar mais brilho e vida na música, os mais conhecidos são:
LICK quando se tira 2 ou mais notas de uma única palhetada.
BEND quando se faz uma nota em uma casa e puxa uma nota um tom mais alto puxando a corda.
BEND INVERSO quando se faz uma nota em uma casa com a corda já puxada, depois você deixará de esticá-la.
TWO-HAND deixar o indicador pressionando uma casa e fazer um revezamento com o anular da mesma mão e o dedo médio da mão direita, esse método é usado na guitarra e no baixo. HARMÔNICO é executado nas 5a, 7a e 12a casas, encostando de leve o dedo na corda, nas casas já mencionadas.
SOLO é executado tocando apenas uma corda de cada vez, como na guitarra.
FEED BACK é um arranjo usado em guitarras, mas pode ser usado em alguns modelos de violão, segure a palheta de forma que quando você tocar o polegar direito toque de leve na corda para causar o efeito de grito!
SLIDE é feito a nota em uma casa e puxamos uma outra nota na mesma corda em uma casa diferente arrastando o dedo para cima.
SLIDE INVERSO é feito a nota em uma casa e puxamos uma outra nota na mesma corda em uma casa diferente arrastando o dedo para baixo.
LIGADO é feito em uma das cordas tocando uma nota qualquer, depois você irá tirar duas ou mais notas alternando os dedos sem palhetar o instrumento.

CAMPO HARMÔNICO


Sem dúvida este é um dos assuntos mais importantes para quem quer realmente se tornar músico, pois o campo harmônico nos dá a completa visão das possibilidades harmônicas que temos assim como toda a visualização de escalas, tornando assim o estudo puramente matemático e claro. Primeiramente temos que entender para quê serve o campo harmônico, qual sua finalidade.

campo harmônico traduz na verdade algo que nós sabemos por instinto, por exemplo, quando você esta compondo uma musica, instintivamente você tenta achar uma seqüência melódica que te agrade, e nas tentativas, é claro que as vezes tocamos seqüências de acordes que parecem não combinar entre si, isso se deve ao fato de que existe uma seqüência de acordes que se combinam, existe portanto uma seqüência melódica, por exemplo, seria a diferença de tocar em seqüência um acorde maior/ menor/ menor/ menor/ menor/ maior temos uma progressão, que quando tocada soa estranho, isso porque existe uma regra para combinação de acordes, isso não pode ser feito aleatoriamente, você terá um efeito horrível se você tocar uma seqüência :

Cm Dm Em Fm Gm Am Bm

Isso não pode ser feito, então o campo harmônico serve para nos mostrar a sequência de acordes que irá soar perfeitamente e aonde estariam as escalas para aplicação. Vendo o campo, perceba que ele é composto por 7 graus, a escala musical é composta por sete notas, portanto uma seqüência melódica de acordes está relacionado com a escala musical que é a base de tudo. Na segunda aula analisaremos como é o vínculo entre as escalas e os acordes.

Veja no campo harmônico a seqüência de acordes com suas respectivas sétimas:

Dm7 Em7 F7M G7 Am7 Bm7(b5)

Pois bem aqui temos o campo harmônico natural, ele servirá de base para criarmos os outros. Agora feito o primeiro campo temos uma definição sobre os graus.

I7M IIm7 IIIm7 IV7M V7 VIm7 VIIm7(b5)

Antes de seguir adiante vou explicar porque o sétimo grau é chamado de meio diminuto. A explicação básica do campo harmônico natural é que você tem uma seqüência de acordes que casam com as escalas, e que nenhum dos acordes e escalas nesse posicionamento tem sustenidos ou bemóis, pois bem faça um acorde de B, tanto faz ser maior ou menor, veja que notas fazem parte do acorde.... você irá achar o F#! Ele é a quinta justa de B!

Quinta justa seria o seguinte, quando você monta, por exemplo, o modelo maior ou menor da corda E ou A, existe um modelo para o acorde certo? Note que onde está o dedo 3 no acorde corresponde a quinta do acorde, a quinta justa então seria sempre onde está seu dedo 3, é chamado quinta justa porque a quinta de B é na verdade, vamos contar juntos B/C/D/E/F 1/2/3/4/5, é a nota F, mas montando um acorde, a quinta é F#, baseado que no campo harmônico natural não pode haver sustenidos, temos que tirar esse sustenido do acorde!

Temos dois modelos para esse grau o meio diminuto e o quinta aumentada, ora a quinta justa de B é F# ,a quinta aumentada é G! Tiramos o sustenido que não pode ter! Agora como faremos para entender e criar os outros campos?

Agora você sabe quais acordes se casam, mas veja bem, existe sempre as exceções, muitas musicas são criadas com 2 campos diferentes, ou até 3, mas agora tudo têm uma explicação lógica e matemática, 2 casos comuns é em uma determinada música, ela se progredir para um outro campo harmônico. Então o campo harmônico além de facilitar o seu trabalho de composição, já te mostra onde estão as escalas para solar, já lhe dá opções de acordes e facilita e muito para tirar músicas de ouvido, ache dois, três acordes e tente identificar em que campo está, você poderá tirar o resto vendo quais os acordes que fazem parte do campo, e para solos ficará muito mais fácil tirá-lo, sabendo onde estão as escalas.

Como usar os Acordes Dissonantes


Um acorde dissonante seria, como o próprio nome diz, um acorde que dissona ou não soa bem. Acontece que muitas vezes acontece o contrario, ele soa extremamente bem. 
Formação e notação de acordes dissonantes.
  Quando falamos de notação de acordes, dissemos que uma acorde maior é formado por 3 notas, 1a., 3a e 5a e os menores com a 3b .Os acordes dissonantes são formados de 4 ou mais notas. Tomamos as notas normais do acorde, maior ou menor e adicionamos uma nota da escala cromática. Assim, existe por exemplo, um acorde de G com as notas normais mais um A. Ou um C com A#. Existem milhares de acordes dissonantes e se formos contar todas as inversões ainda mais. Para identificar um acorde dissonante, usamos a mesma notação dos acordes convencionais, mas adicionando à frente o número da nota da escala diatônica desse acorde. Um G com A escreveríamos G9 e leríamos sol com nona. Podemos também adicionar mais de um nota dissonante em um acorde, nesse caso separamos os números por uma barra. 
Ex.: Am com G e B à Am7/9. 
Se o acorde original for do tipo com arranjo no baixo escrevemos o acorde dissonante seguido de outra barra e o baixo. 
Ex.: Am7/9/G. (pouquíssimo uso)
Quando queremos usar notas acidentadas fora da escala diatônica do acorde usamos na cifra os sinais de + e - para indicar que devemos aumentar (+) ou abaixar (-) meio tom na nota dissonante.
Ex.: C/-5 lemos C com 5a menor. A 5a de C seria G menos 1/2 tom temos F#.
Ex.: Bm5-/7, C7+
Podemos colocar os sinais à frente ou atrás do número. Atenção para um detalhe importante. Não existem os acordes dissonantes com 1a 3a e 5a já que eles formam o acorde normal.
OBS. Como a barra (/) é usado tanto no arranjo no baixo como em dissonantes o que diferencia o acorde é uso de número ou letra após a barra.